리처드 해밀턴 (예술가)

1.1. Childhood and Early Training

해밀턴은 1922년 2월 24일 런던 핌리코에서 태어났다. 공식적인 학력은 없었지만, 전기 부품 회사에서 견습생으로 일하며 제도 능력에 대한 재능을 발견했다. 이후 세인트 마틴 미술학교(Saint Martin's School of Art^영어)와 웨스트민스터 미술학교(Westminster School of Art^영어)에서 야간 수업을 들으며 그림을 그리기 시작했다.

1.2. Art School and Initial Career

1938년, 그는 왕립 예술 아카데미(Royal Academy of Arts^영어)에 입학했다. 제2차 세계 대전 중에는 제도사로 일했으며, 전쟁이 끝난 후 왕립 예술 아카데미에 재입학했으나 1946년 "수업에 제대로 참여하지 않는다"는 이유로 퇴학당했다. 학생 신분을 잃은 후에는 국가 복무를 수행했다. 2년간 유니버시티 칼리지 런던 산하의 슬레이드 미술 학교(Slade School of Art^영어)에서 수학한 후, 그는 런던 현대미술연구소(Institute of Contemporary Arts^영어, ICA)에서 작품을 전시하기 시작했으며, 그곳에서 포스터와 전단을 제작하기도 했다. 1952년부터 1966년까지는 센트럴 예술 디자인 학교(Central School of Art and Design^영어)에서 가르쳤다.

2.1. Independent Group and Key Exhibitions

해밀턴의 초기 작품은 다아시 웬트워스 톰슨(D'Arcy Wentworth Thompson^영어)의 1917년 저서 《성장과 형태》(On Growth and Form^영어)에서 많은 영향을 받았다. 1951년, 해밀턴은 런던 ICA에서 '성장과 형태'라는 제목의 전시회를 기획했다. 이는 설치 미술의 선구적인 형태로, 과학적 모델, 다이어그램, 사진 등을 통일된 예술 작품으로 제시했다.

1952년, ICA에서 열린 제1회 독립 그룹(Independent Group^영어) 회의에서 해밀턴은 1940년대 후반에서 1950년대 초반에 에두아르도 파올로치(Eduardo Paolozzi^영어)가 제작한 콜라주 작품들을 접하게 되었는데, 이들은 현재 팝아트의 첫 선구자로 평가받는다. 같은 해, 해밀턴은 ICA에서 만난 롤랑 펜로즈(Roland Penrose^영어)를 통해 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp^영어)의 《초록 상자》(Green Box^영어) 노트를 접하게 되었다. ICA에서 해밀턴은 제임스 조이스(James Joyce^영어) 관련 전시회와 펜로즈가 기획한 '인간 두뇌의 경이로움과 공포'(The Wonder and the Horror of the Human Head^영어) 등 여러 전시회의 디자인 및 설치를 담당했다. 펜로즈를 통해 해밀턴은 빅터 패스모어(Victor Pasmore^영어)를 만났고, 패스모어는 그에게 더럼 대학교 산하 뉴캐슬 어폰 타인의 미술 학부에서 강의 자리를 주었다. 이 자리는 1966년까지 이어졌으며, 이 시기 해밀턴의 학생 중에는 리타 도나그(Rita Donagh^영어), 마크 랭커스터(Mark Lancaster^영어), 팀 헤드(Tim Head^영어), 록시 뮤직(Roxy Music^영어)의 설립자 브라이언 페리(Bryan Ferry^영어)와 페리의 시각 협력자 니콜라스 드 빌(Nicholas de Ville^영어) 등이 있었다. 록시 뮤직의 시각적 스타일링과 접근 방식에서 해밀턴의 영향을 찾아볼 수 있으며, 그는 페리를 "자신의 가장 위대한 창조물"이라고 묘사했다. 페리 또한 2010년 그를 가장 존경하는 인물로 꼽으며 "그는 예술과 세상을 보는 나의 방식에 크게 영향을 미쳤다"고 말했다.

1955년 하노버 갤러리(Hanover Gallery^영어)에서 열린 해밀턴의 회화 전시회는 모두 어떤 면에서든 뒤샹에 대한 오마주였다. 같은 해 해밀턴은 더럼 킹스 칼리지(King's College, Durham^영어, 현 뉴캐슬 대학교) 미술 학부 내 해튼 갤러리(Hatton Gallery^영어)에서 '맨, 머신 앤드 모션' 전시회를 기획했다. 이 전시회는 전통적인 미술 전시회보다 광고 디스플레이처럼 보이도록 디자인되었으며, 이듬해 화이트채플 갤러리(Whitechapel Gallery^영어)에서 열린 런던의 《이것이 미래다》 전시회에 대한 해밀턴의 기여를 예고했다.

2.2. Definition of Pop Art and Representative Works

《오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?》는 1956년 《이것이 미래다》 전시회의 카탈로그를 위해 제작되었으며, 흑백으로 인쇄되어 전시회 포스터에도 사용되었다.

이 콜라주는 투시 팝(Tootsie Pop^영어)을 도발적으로 들고 있는 근육질 남성과 램프 갓 모자를 쓰고 가슴을 드러낸 여성의 모습을 담고 있으며, 진공청소기부터 커다란 통조림 햄에 이르기까지 1950년대 풍요의 상징들로 둘러싸여 있다. 이 작품은 최초의 팝아트 작품 중 하나로 널리 인정받는다.

해밀턴은 1957년 1월 16일 앨리슨 스미스슨(Alison Smithson^영어)과 피터 스미스슨(Peter Smithson^영어)에게 보낸 편지에서 팝아트에 대한 자신의 정의를 제시했는데, 이는 국제적인 팝아트 운동의 기반이 되었다. 그가 정의한 팝아트는 "인기 있고, 일시적이며, 소모품이며, 저렴하고, 대량 생산되며, 젊고, 재치 있고, 섹시하며, 기교적이고, 매력적이며, 거대한 사업(Pop Art is: popular, transient, expendable, low-cost, mass-produced, young, witty, sexy, gimmicky, glamorous, and Big Business^영어)"으로, 일상적이고 평범한 가치를 강조했다. 그는 이러한 정의에 따라 대량 발행되는 신문과 잡지의 광고를 통합한 콜라주를 제작했다.

해밀턴의 대표작으로는 1956년의 《오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?》 외에도, 스크린 프린트 프로젝트인 《나는 화이트 크리스마스를 꿈꾼다》(I'm Dreaming of a White Christmas^영어)가 있다. 이 작품은 영화 《홀리데이 인》(Holiday Inn^영어)의 한 장면, 즉 호텔 로비에 서 있는 빙 크로스비(Bing Crosby^영어)의 모습에서 영감을 받아 제작되었다. 해밀턴은 이 영화의 이미지를 다양한 색상으로 캔버스에 전사하고, 필름의 네거티브와 포지티브 같은 관계를 가진 여러 변형을 만들어 각각 《나는 화이트 크리스마스를 꿈꾼다》 또는 《나는 블랙 크리스마스를 꿈꾼다》(I'm Dreaming of a Black Christmas^영어)라는 제목을 붙였다.

2.3. Artistic Experimentation and Media

해밀턴은 작품에 소비자 사회의 재료들을 자주 통합했다. 《오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?》 (1956)는 존 맥헤일(John McHale^영어)과 마그다 코델 맥헤일(Magda Cordell McHale^영어)이 미국에서 가져온 미국 잡지들을 사용했다.

해밀턴은 또한 플라스틱 조각들을 직접 자신의 콜라주에 통합하기도 했다. 여성 누드를 탐구한 혼합 매체 작품 《핀업》(Pin-up^영어) (1961)에서는 누드 인물의 가슴 부분에 조각된 플라스틱을 사용했다. 《그녀》($he^영어) (1959-1961)는 해밀턴이 허버트 오흘(Herbert Ohl^영어)로부터 받은 플라스틱 홀로그램 눈을 포함하고 있었다. 이러한 플라스틱 사용은 해밀턴 작품의 보존에 상당한 어려움을 초래했다. 1964년 《핀업》과 《그녀》가 런던 하노버 갤러리에서 해밀턴의 개인전에 대여되었을 때, 플라스틱이 갈라지고 지지 표면에서 떨어져 나가는 것이 발견되었다. 해밀턴은 합판, 아크릴 유리, 가소제 등 다양한 재료를 실험했으며, 보존학자들과 긴밀히 협력하여 작품을 수리하고 예술 작품에 플라스틱을 통합하고 보존하는 더 나은 기술을 개발했다.

3.1. Engagement with Popular Culture and Design

1959년 해밀턴은 "눈부신 테크니컬러, 숨 막히는 시네마스코프와 스테레오 사운드"(Glorious Technicolor, Breathtaking Cinemascope and Stereophonic Sound^영어)라는 제목의 강연을 했다. 이는 1957년 뮤지컬 《실크 스타킹스》(Silk Stockings^영어)에 나오는 콜 포터(Cole Porter^영어)의 가사에서 따온 문구였다. 팝 사운드트랙과 초기 폴라로이드 카메라(Polaroid camera^영어) 시연이 포함된 이 강연에서 해밀턴은 할리우드의 매력을 형성하는 영화 기술을 해체하여 설명했다. 그는 1960년대 초 영화 스틸컷과 홍보 사진에서 영감을 받은 일련의 그림들을 통해 이러한 주제를 더욱 발전시켰다.

1968년, 해밀턴은 브라이언 드 팔마(Brian De Palma^영어) 감독의 영화 《그리팅스》(Greetings^영어)에 출연하여 '블로우 업'(Blow Up^영어) 이미지를 보여주는 팝 아티스트를 연기했다. 이 영화는 로버트 드 니로(Robert De Niro^영어)의 첫 영화였으며, 미국에서 X 등급을 받은 최초의 영화였다.

1960년대 중반부터 해밀턴은 미술상 로버트 프레이저(Robert Fraser^영어)에 의해 소개되었고, 심지어 프레이저가 믹 재거(Mick Jagger^영어)와 함께 마약 소지 혐의로 체포된 사건을 바탕으로 한 일련의 판화 작품 《스윙잉 런던》(Swingeing London^영어)을 제작하기도 했다. 1960년대 팝 음악계와의 이러한 인연은 해밀턴이 폴 매카트니(Paul McCartney^영어)와 친구가 되면서 계속되었고, 이는 비틀즈의 《화이트 앨범》(White Album^영어) 표지 디자인과 포스터 콜라주를 제작하는 결과로 이어졌다. 1969년, 해밀턴은 영화 제작자 제임스 스콧(James Scott^영어)의 다큐멘터리에 출연하여 《스윙잉 런던》 시리즈와 자신의 작품을 통해 대중 매체에 대한 자신의 관심을 논했다.

1970년대 동안 리처드 해밀턴은 여러 주요 전시회를 통해 국제적인 명성을 누렸다. 해밀턴은 화가 리타 도나그(Rita Donagh^영어)와 새로운 동반자가 되었다. 그들은 함께 옥스퍼드셔 시골의 농장을 주거와 스튜디오로 개조했다. 1970년까지, 항상 새로운 기술에 매료되었던 해밀턴은 취리히의 젊은 회사이자 예술을 더 넓은 대중에게 알리기 위해 다작 생산을 개척한 엑스아트컬렉션(xartcollection^영어)의 지원을 받아 제품 디자인의 발전을 순수 예술로 재전용하고 있었다. 해밀턴은 최첨단 라디오 수신기를 포함한 그림과 데이터인더스트리어 AB(Dataindustrier AB^영어) 컴퓨터 케이싱을 포함한 작품 등 예술 작품과 제품 디자인 사이의 경계를 흐리는 일련의 프로젝트를 실현했다. 1980년대에 해밀턴은 다시 산업 디자인 분야로 진출하여 두 개의 컴퓨터 외관을 디자인했다. 스웨덴 회사 아이소트론(Isotron^영어)을 위한 OHIO 컴퓨터 프로토타입 (1984)과 데이터인더스트리어 AB를 위한 DIAB DS-101 (1986)이 그것이다. 1987년 BBC 텔레비전 시리즈 《빛으로 그리기》(Painting with Light^영어)의 일환으로, 해밀턴은 콴텔 페인트박스(Quantel Paintbox^영어)를 접하게 되었고, 이후 자신의 스튜디오를 위해 이를 구입하여 작품을 제작하고 수정하는 데 사용했다.

3.2. Political and Social Themes

1960년대 초, 해밀턴은 핵 군축 캠페인(Campaign for Nuclear Disarmament^영어)에 매우 적극적으로 참여했으며, 휴 게이츠켈(Hugh Gaitskell^영어) 당시 노동당 당수가 일방적 핵 군축 정책을 거부한 것을 풍자하는 작품을 제작하기도 했다.

1981년 해밀턴은 롱 케시 감옥(Long Kesh Prison^영어, 공식 명칭 더 메이즈(The Maze^영어))에서 IRA 수감자들이 조직한 "담요 시위"에 대한 텔레비전 다큐멘터리를 본 후 북아일랜드 분쟁을 주제로 한 3부작 그림을 그리기 시작했다. 《시민》(The citizen^영어) (1981-1983)은 IRA 수감자 휴 루니(Hugh Rooney^영어)를 긴 머리와 수염을 가진 예수로 묘사한다. 공화주의 수감자들은 자신들이 정치범이라고 주장하며 죄수복 착용을 거부했다. 교도관들은 "담요 시위대"가 죄수복을 입지 않으면 화장실 사용을 허락하지 않았다. 공화주의 수감자들은 이를 거부하고 대신 자신들의 배설물을 감방 벽에 발랐다. 해밀턴은 (1992년 테이트 갤러리 전시회 카탈로그에서) "담요 인간"의 이미지를 "엄청난 효용성을 가진 홍보적 고안물"로 보았다고 설명했다. 그는 "그것은 종교적 아이콘의 도덕적 확신과 광고인의 꿈같은 비누 광고의 설득력을 가지고 있었으며, 동시에 현실이었다"고 말했다. 《주제》(The subject^영어) (1988-89)는 북아일랜드에서 연합주의를 보존하는 데 헌신하는 오렌지맨(Orangeman^영어)의 모습을 보여준다. 《국가》(The state^영어) (1993)는 거리에서 "도보 순찰" 중인 영국 군인의 모습을 보여준다. 《시민》은 1983년 더리(Derry^영어)의 오차드 갤러리(Orchard Gallery^영어)에서 도나그와 함께 개최한 공동 전시회 "세포 미로"(A Cellular Maze^영어)의 일부로 전시되었다. 그들은 17세기 디거스(Diggers^영어)와 디쳐스(Ditchers^영어)가 배포한 정치 전단의 스타일을 차용한 노란색 팸플릿을 제작하여 공화주의 시위대의 대의를 이전 역사적 투쟁과 연결시켰다.

3.3. Collaborations and Printmaking

ICA에서의 활동은 해밀턴에게 뒤샹에 대한 연구를 더욱 심화할 시간을 주었고, 이는 1960년 뒤샹의 《초록 상자》(Green Box^영어)의 인쇄본 출판으로 이어졌다. 이 책은 뒤샹의 유명한 작품인 《독신자들에게 발가벗겨진 신부, 심지어》(The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even^영어) (일명 《큰 유리》(The Large Glass^영어))의 디자인 및 제작에 대한 뒤샹의 원본 노트를 담고 있었다. 1962년 해밀턴의 첫 아내 테리(Terry^영어)가 자동차 사고로 사망했다. 그녀의 상실감을 회복하기 위해 1963년 해밀턴은 처음으로 미국을 방문하여 패서디나 미술관(Pasadena Art Museum^영어)에서 열린 마르셀 뒤샹 작품 회고전에 참석했다. 그곳에서 다른 주요 팝 아티스트들을 만났을 뿐만 아니라 뒤샹과도 친구가 되었다. 이를 계기로 해밀턴은 뒤샹의 첫 영국 회고전을 기획했으며, 《초록 상자》에 대한 그의 친숙함은 해밀턴이 《큰 유리》와 이동하기에는 너무 깨지기 쉬운 다른 유리 작품들의 복사본을 만들 수 있게 해주었다. 이 전시회는 1966년 테이트 갤러리에서 열렸다.

1970년대 후반부터 해밀턴의 활동은 주로 판화 제작 과정에 대한 탐구에 집중되었으며, 종종 특이하고 복잡한 조합을 사용했다. 1977년부터 1978년까지 해밀턴은 예술가의 유일한 저자라는 정의를 흐리게 하는 일련의 협업을 예술가 디터 로스(Dieter Roth^영어)와 함께 진행했다.

4.1. Adoption of Digital Technology

해밀턴은 1980년대에 다시 산업 디자인 분야로 진출하여 두 개의 컴퓨터 외관을 디자인했다. 스웨덴 회사 이소트론(Isotron^영어)을 위한 OHIO 컴퓨터 프로토타입 (1984)과 데이터인더스트리어 AB를 위한 DIAB DS-101 (1986)이 그것이다. 1987년 BBC 텔레비전 시리즈 《빛으로 그리기》(Painting with Light^영어)의 일환으로 해밀턴은 콴텔 페인트박스(Quantel Paintbox^영어)를 접하게 되었고, 이후 자신의 스튜디오를 위해 이를 구입하여 작품을 제작하고 수정하는 데 사용했다. 그는 1990년대 초 이 디지털 기술을 활용하여 1956년 자신의 대표작인 《오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?》를 1990년대의 가정환경에 맞게 재해석하는 작업을 시도했다. 그는 원래 작품의 남성 보디빌더 대신 책상에서 일하는 회계사를, 여성 아이콘 대신 세계적인 여성 보디빌더를 사용하는 등 현대 사회의 변화를 반영했다.

4.2. James Joyce's "Ulysses" Illustrations

1940년대 후반부터 리처드 해밀턴은 제임스 조이스(James Joyce^영어)의 소설 《율리시스》(Ulysses^영어)에 대한 일련의 삽화를 제작하는 프로젝트에 참여했다. 1988년 더리(Derry^영어)의 오차드 갤러리(Orchard Gallery^영어)는 해밀턴이 1940년대부터 제작해 온 동판 에칭을 모아 "진행 중인 작업"(Work in Progress^영어)이라는 제목의 전시회와 출판물을 선보였다. 이에 앞서 요제프 보이스(Joseph Beuys^영어)와 함께 에칭 작품과 보이스가 쓴 《율리시스》의 추가 두 장을 함께 전시하려는 시도가 있었으나, 조이스의 원고가 너무 깨지기 쉽다는 소유주의 우려로 인해 무산되었다.

2002년 대영박물관은 해밀턴의 《율리시스》 삽화 전시회인 '율리시스 이미지화'(Imaging Ulysses^영어)를 개최했다. 동시에 스티븐 코펠(Stephen Coppel^영어)의 글이 담긴 해밀턴의 삽화집이 출판되었다. 해밀턴은 이 책에서 1947년 국가 복무를 하던 중 이 복잡하고 실험적인 소설에 삽화를 그리는 아이디어가 떠올랐다고 설명했다. 그의 첫 예비 스케치는 슬레이드 미술 학교에 있을 때 만들어졌으며, 그는 다음 50년 동안 이미지를 계속 다듬고 재작업했다. 해밀턴은 여러 다른 매체에서 삽화를 재작업한 것이 조이스의 언어적 기법과 유사한 시각적 효과를 만들어냈다고 느꼈다. 《율리시스》 삽화는 이후 아일랜드 현대미술관(Irish Museum of Modern Art^영어) (더블린)과 보이만스 판 뵈닝언 미술관(Museum Boijmans Van Beuningen^영어) (로테르담)에서도 전시되었다. 대영박물관 전시회는 조이스 소설 출판 80주년과 리처드 해밀턴의 80세 생일과 동시에 개최되었다.

5.1. Major Exhibitions and Retrospectives

해밀턴의 첫 회화 전시회는 1955년 런던 하노버 갤러리에서 열렸다. 그는 1993년 베니스 비엔날레(Venice Biennale^영어)에 영국 대표로 참가하여 황금사자상을 수상했다. 주요 회고전은 1970년과 1992년에 런던 테이트 갤러리에서, 1973년 솔로몬 R. 구겐하임 미술관(Solomon R. Guggenheim Museum^영어)에서, 2003년 바르셀로나 현대미술관(Barcelona Museum of Contemporary Art^영어, MACBA)과 쾰른 루드비히 박물관(Museum Ludwig^영어)에서, 그리고 1974년 노이에 국립미술관(Neue Nationalgalerie^영어)에서 개최되었다.

해밀턴이 참여한 주요 그룹 전시회로는 1968년 카셀의 도쿠멘타(Documenta^영어 4), 1989년 상파울루 비엔날레(São Paulo Art Biennial^영어), 1997년 카셀의 도쿠멘타 X, 2004년 광주비엔날레, 그리고 2006년 상하이 비엔날레가 있다. 2010년 서펜타인 갤러리(Serpentine Gallery^영어)는 해밀턴의 정치 및 시위 작품에 초점을 맞춘 '현대 도덕 문제'(Modern Moral Matters^영어) 전시회를 선보였는데, 이 작품들은 2008년 에든버러 왕립 식물원의 인버리스 하우스(Inverleith House^영어)에서 이미 전시된 바 있었다. 2001/2002 시즌 빈 국립 오페라에서는 해밀턴이 박물관 프로젝트(museum in progress^영어)가 기획한 전시 시리즈 "안전 막"(Safety Curtain^영어)의 일환으로 대규모 그림(176 NaN 경 m²)인 "철의 지연"(Retard en Fer - Delay in Iron^영어)을 디자인했다. 그의 사망 직전, 해밀턴은 마드리드 소피아 왕비 국립미술관(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía^영어)과 함께 자신의 작품에 대한 주요 회고전을 준비하고 있었는데, 이 회고전은 2014년 2월 13일 런던 테이트 모던(Tate Modern^영어)에서 먼저 개막하고 2014년 6월 24일 마드리드에서 이어질 예정이었다.

2011년 더블린 시립 휴 레인 갤러리(Dublin City Gallery The Hugh Lane^영어)는 해밀턴과 리타 도나그(Rita Donagh^영어)의 공동 회고전인 "민권 등"(Civil Rights etc.^영어)을 선보였다. 같은 해, 미니애폴리스 미술관(Minneapolis Institute of Arts^영어)은 '리처드 해밀턴: 팝아트 선구자, 1922-2011'(Richard Hamilton: Pop Art Pioneer, 1922-2011^영어)라는 제목으로 해밀턴의 작품을 전시했다. 내셔널 갤러리(National Gallery^영어)의 "리처드 해밀턴: 후기 작품"(Richard Hamilton: The Late Works^영어)은 2012년에 개막했다. 2014년 테이트 모던에서 열린 대규모 회고전은 "1950년대 초기 전시 디자인부터 2011년 마지막 그림에 이르기까지 해밀턴 작업의 전체 범위를 아우르는 첫 회고전"으로, "디자인, 회화, 사진, 텔레비전과의 관계뿐만 아니라 다른 예술가들과의 참여 및 협업을 탐구했다."

5.2. Museum Collections

테이트 갤러리는 해밀턴의 경력 전반에 걸친 포괄적인 작품 컬렉션을 소장하고 있다. 1996년, 빈터투어 미술관(Kunstmuseum Winterthur^영어)은 해밀턴의 판화 작품을 상당량 기증받았으며, 이로 인해 이 미술관은 해밀턴의 판화 작품을 세계에서 가장 많이 소장한 기관이 되었다.

9.1. Artistic Legacy and Influence

해밀턴은 팝아트의 발전에 기여한 그의 유산은 후대 예술가들에게 지속적인 영향을 미치고 있다. 그는 팝아트가 무엇인지에 대한 정의를 명확히 제시하며 이 국제적인 운동의 기반을 다졌다. 그의 작품은 대중문화와 고급 예술의 경계를 허물고, 소비 사회의 기호들을 예술적 맥락으로 가져오는 새로운 방식을 제시했다. 특히 록시 뮤직(Roxy Music^영어)의 시각적 스타일링과 접근 방식에서 그의 영향을 찾아볼 수 있으며, 브라이언 페리(Bryan Ferry^영어)는 해밀턴을 자신의 예술적 시야를 넓혀준 가장 존경하는 인물로 꼽았다. 또한, 그는 판화, 사진, 그리고 디지털 기술 등 다양한 매체를 실험하며 예술 창작의 가능성을 확장했고, 이는 현대 미술에서 매체 간의 경계를 넘나드는 작업의 선례가 되었다. 그의 작품에 나타난 정치적, 사회적 참여는 예술이 단순히 미적 표현을 넘어 사회적 메시지를 전달하는 강력한 수단이 될 수 있음을 보여주었다.

9.2. Art Market and Valuation

해밀턴은 로버트 프레이저 갤러리(The Robert Fraser Gallery^영어)의 전속 작가였으며, 런던의 앨런 크리스테아 갤러리(Alan Cristea Gallery^영어)는 해밀턴 판화의 유통을 담당하고 있다. 그의 작품 경매 최고 기록은 2006년 2월 런던 소더비(Sotheby's^영어) 경매에서 《패션 플레이트, 코스메틱 스터디 X》(Fashion Plate, Cosmetic Study X^영어) (1969)가 기록한 44.00 만 GBP이다. 2014년 소피아 왕비 국립미술관(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía^영어)에서 열린 대규모 회고전을 위해 스페인 교육문화체육부(Ministry of Education, Culture and Sport (Spain)^영어)가 발표한 명령에 따르면, 박물관은 해밀턴의 작품 246점에 대해 1.16 억 EUR (1.57 억 USD)의 손실 또는 손상 보험에 가입했다. 이는 그의 작품이 국제 예술 시장에서 매우 높은 가치를 인정받고 있음을 보여준다.